イントロダクション

シークレットガールズ　Up & Down
　 渡辺豪ｘ橋爪彩　　
岡部あおみ（αＭプロジェクト2005キュレーター）

コンピュータで構造化された、あどけなくも冷たい渡辺豪の少女の上半身と、見事な描写力をもつ橋爪彩の精緻な油彩の下半身が出会うとき、ひとつの物語がはじまるのだろうか。

up: caresse infra-mince　渡辺豪

渡辺豪が創り出す漂白された3DCGの少女は、皮膚や髪の毛のディテールのすべてが、精巧であるゆえにフラジャイルで透明なのだ。話し声はまるで、どこにでもいそうなリラックスした少女の肉声だから、なげやりなつぶやきが黒い瞳と唇のクールなシミュレーションを際立たせる。声と身体表象の乖離と合体。欲望とコミュニケーションの人工的な距離と密会が、ヴァーチャルとリアルを共犯させる。

マルセル・デュシャンの死後に発見された『ノート』のなかに、「アンフラマンス」という概念がある。パリのポンピドゥーセンターで開催された『非物質』展（1986年）ではじめて知り、「愛撫　アンフラマンス」とそっけなく書かれた紙片のメモに強い印象を受けた。タバコの煙に吐息が混じるときの目に見えぬ差の領域だという「アンフラマンス」は、渡辺豪が関心をもつ、手と手が触れ合うときのゼロ領域のすきまを喚起する。

物質に違和感をもつ渡辺は、厚みのないポリゴンの3Dを手がけている。デュシャンのように、微小な誤差が内包されて近似的な復元が可能になる極意を追求しているかのようだ。

薄い被膜の次に、渡辺の世界を特長づけるのは白い世界だが、デ・クーニングのデッサンを消したラウシェンバーグと同様、彼は書物をタブララーサ（白紙還元）する行為から出発し、「albino」と命名した。つまり白はゼロ地点の色彩を意味する。生身の女性を白塗りして露光過剰にした肖像写真は、色素を欠くアルビノ体質の女性のように、眼がやや赤みを帯びている。さらに薄く、トランスルーセント（半透過性フィルム）の少女へと進展、ライトボックスの『フェイス』を経て、『emo』のアニメーションに到達した。その過程は、消された生身の女性から、かすかなずれのさなかに立ち現れる３Ｄの完全無比なアンドロイドの誕生を想わせる。

実物の女性の肌や毛の生え際のイメージを移植された白磁のヴァーチャルな少女は、ギャルのようなお茶目な肉声で愛について語る。そのリアルな発話とややぎこちない眼の動きや薄く開いた唇の表情に見入ってしまうとしたら、一致と誤差の極僅かな領域、恐怖に似たゼロ次元へと踏み込んでいるためなのだ。

渡辺の少女は、女装するデュシャンのローズセラヴィのレディとも、自己視におののくホラー的ドッペルベルガーとも、またキプロスの王ピグマリオンが愛した自作の象牙の彫像ガラテアとも言えるかもしれない。どちらにしても、そこには愛というマトリックスを形作る対幻想が潜んでいる。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

down: peak experience　橋爪彩

黒いエナメルの真新しい靴を履く。その脚に、ストッキングのでんせんが走るとき、何かが微かに壊れる音を聞く。ツツゥーと起きるでんせんの突発事故は、一条の体液の流れのように、忘れたころにやってくる。橋爪彩が描く、まっすぐに伸びた脚は、白いハイソックスと黒いストッキングの二重奏。ニュートラルな少女の脚線美と弾力性のある女の筋肉とのちょうど中間地帯に、不穏でたくましい性が棲んでいる。

英国のコリン・ウィルソンは『至高体験（ピーク・エクスペリアンス）』（河出文庫、由良君美＋四方田犬彦訳、1998年）で、エイブラハム・マスローという心理学者の論文を参照しつつ、生理、安全、愛、尊敬、自己実現という欲求の５段階説を提唱した。それがマルクスやフロイトを超える革命性をもつのは、<高次の欲求>が低次の欲求と同じく本能的で、潜在意識下の衝動の一部をなす巨大な統合性を示唆するためだ。

橋爪彩の精緻な絵画が及ぼす衝撃は、この衝動にほかならない。日本の女性アーティストには珍しく、エロティシズムを直視しながらも怯むところがない。性をつきぬけた至高体験の予感が、ウイルソン流に言えば「意味を求める生物である人間の充足感」として希求されているためだろう。

フランスの思想家ジョルジュ・バタイユの処女作『眼球譚』をインスピレーション源として、橋爪は『仏製椅子』という小さな油彩をしたためた。文庫本の大きさで、さりげない日常の置物にもなるサイズだが、黒いエナメルの靴と黒いストッキングを履いた大人の女が、白いハイソックスの乙女をひざに乗せ、両者が奇妙な合体を遂げる下半身の絵だ。それは『眼球譚』の少年少女が繰り広げる交わりに、「正常」と「異常」、「ストイック」と「奔放」、「暴走」と「自然」といったダブルスタンダードの混在を、さめることのない微熱として表現した作品であった。

橋爪における性は、欠如（片方のソックスやタイツのでんせん）と過剰（シューズ・フェティッシュ）の振幅にあり、あくなき生の欲求に重なっている。獰猛に、ナイーヴに、精悍に、可憐に、大胆に、敏感に、身体的直感に導かれた画面が構築される。「自己イメージが人間の創造性の中核をも演じる」というコリン・ウィルソンの言葉を待つまでもなく、自写による自己肢体のイメージは、描写というアナログな時空間の果てに、緊張した野生をはらむ絵画という視覚の地平で、変異し、生への挑戦となって高揚する。

＊下記のαＭプロジェクトのサイトで渡辺豪氏と橋爪彩氏の作品を見られます。
http://www.musabi.ac.jp/ampj/2005/02watahashi/index.htm　

Alpha M project 2005 vol.2
Secret Girls: Up & Down
Go Watanabe x Sai Hashizume
Aomi Okabe ( alpha M project 2005 curator )

An encounter between the upper halves of bodies of girls who appear coolly innocent, constructed by Watanabe Go, and the lower halves of bodies painted precisely in oil, with brilliant draftsmanship, by Hashizume Sai. Up and down, Could this be the beginning of a story?　

Go Watanabe :“Caresse Infra-Mince”

Because the details of skin and hair are rendered so precisely, these bleached-out images of girls created with 3D computer graphics by Watanabe Go are remarkably fragile and lucid. They are given the casual speaking voices of real girls, of the sort that might be heard anywhere, and the flippant tone contrasts effectively with the cool simulation of dark eyes and lips. The representations of voice and body are both distinct and unified. The artificial distance and clandestine meeting between desire and communication make accomplices of virtuality and reality.

The concept of “infra-mince” (infra-thin) appears in the Notes of Marcel Duchamp, discovered after his death. I first learned about it in the “Non-Material” exhibition (1986) at the Centre Georges Pompidou in Paris, and I was deeply intrigued by the terse note, “caresse, infra-mince,” written on a scrap of paper. “Infra-mince” was Duchamp’s word for a narrow zone of imperceptible difference, exemplified by the odor of tobacco mixed with the breath of the person who is smoking it. It recalls the zero interval between one hand touching another that interests Watanabe Go.

Watanabe is uncomfortable with actual physical substance and has begun working with 3D polygons that are lacking in thickness. Like Duchamp, he seems to be seeking ultimate meaning in the possibility of extremely small differences between similar reproductions of form.

In addition to these ultra-thin membranes, whiteness is a characteristic of Watanabe’s artistic world. Like Robert Rauschenberg, who erased a drawing by Willem de Kooning, he started his career with the act of making a book into a tabula rasa, called albino. White is the zero ground of color. An overexposed portrait photograph of a real woman painted white had the appearance of an albino, skin lacking pigment and eyes slightly red. This developed into the thin and translucent image of a girl (made on semi-transparent film). From the light-box work, Face, Watanabe proceeded to the animated film, emo. This process led to the birth of a perfect, incomparable 3D android, whose existence depended on its slight difference from a real woman who had been erased.

The porcelain-skinned virtual girl, created by transplanting images of the skin and hair of a real person, talks about love in a mischievous voice like a teenage girl. If one listens to these realistic utterances while observing the slightly awkward movements of the eyes and the barely open mouth, one enters a somewhat frightening zero dimension, the infinitesimal zone between identity and difference.

Watanabe’s girl might be compared to Rose Selavy, Duchamp’s female image who was actually the artist himself disguised as a woman, a horrific doppelganger frightened by her own image, or the ivory image of Galatea created and loved by Pygmalion. In any case, it entails the illusion of pair forming a matrix called love.

Sai Hashizume: Peak Experience

Feet wearing brand-new black enamel shoes. A run in the stocking on a leg suggests a barely-audible splitting sound. The sudden zip of a stocking run is like a narrow release of bodily fluid, a mishap that occurs with little awareness. Hashizume Sai paints images of straight legs and feet, duets of white knee socks and black nylons. An uncanny and vigorous sexuality appears in the intermediate zone between the neutral beauty of a young girl’s feet and the resilient muscles of a mature woman.

The British writer, Colin Wilson, in Peak Experience, refers to psychologist Abraham Maslow’s theory of a five-stage hierarchy of needs: physiological, safety, belonging, esteems, and self-realization. His suggestion that the “higher needs” are as instinctual as the “lower needs,” and that there is a great synthesis of needs that forms part of the impulses in the unconscious mind, is more revolutionary than the theories of Freud or Marx.

Such impulses are responsible for the impact of Hashizume’s precision painting. For a Japanese woman artist, she has an unusual ability to deal directly with eroticism without flinching. As Wilson observes, human beings are creatures in search of meaning, and human fulfillment requires foreshadowings of peak experience achieved after passing through the realm of sexuality.

Hashizume’s small oil painting, French Chair, was inspired by The Story of the Eye, the first book written by French thinker Georges Bataille.No larger than a Japanese paper-back book, it is like a decorative knick-knack that could be placed casually in an everyday environment. It is an image of the legs of a young girl wearing white knee socks sitting on the lap of an adult woman wearing black enamel shoes and black nylons. The lower halves of their bodies are joined in a curious way. Paying homage to the erotic entanglements of boys and girls described in The Story of the Eye, this work contains a mixture of double standards normality and abnormality, stoicism and liberation, reckless action and naturalness and exudes a slightly feverish quality that does not cool off.

The sexuality in Hashizume’s work takes on a wave motion, alternating between lack (the sock on one foot, the run in the stockings) and excess (shoe fetish), and it overlaps with an insatiable desire for life. Guided by physical intuition, she constructs her pictures ferociously, naively, intrepidly, gracefully, boldly, and sensitively. Wilson states, “Self-image takes a central role in human creativity,” and this artist has painted images of her own legs and feet. At the end of the analog space-time of painting, these images are transformed and sublimated as an adventure in living on a tense and wild horizon of painterly perception.
（translated by Stan Anderson)