Yukio Fujimoto (artist, born 1950 in Nagoya)

Aomi Okabe: Seeing that your works, which include objects with music box mechanism that produce sounds, are mostly installations and are unlike the usual paintings found in exhibitions, how have you dealt with art museums when conducting exhibitions and such until now?

at Biennale di Venezia

［BROOM(KMMA)]1997, installation at Kitakyushu Municipal Museum of Art
© Yukio Fujimoto

Yukio Fujimoto: It’s hard to tell facilities and management costs apart from the cost of the actual art work itself because installations are made from scratch, so if for example, tables are needed, it is difficult to say if they count as venue fixtures, like panels, or not. At least walls are provided by the constructors so that isn’t a problem. While working on one piece, where I covered the ground with dry leaves, the museum staff gathered about 80 large sacks of leaves, dried and fumigated them for me.

Okabe: Because if insects get inside the museum, the rest of the collection would be affected. How did you manage to reduce that staggering budget?

Fujimoto: The dry leaves were the cleaner’s responsibility. The artwork and site were fumigated at the same time. I came to know that once it was done. That’s why whether the curators in charge can handle it or not is a question of their resourcefulness. But people who blithely say from the start “I can do whatever you want” are no good. Rather, it is the ones who are serious that get the job done. Besides curators, people from other departments also get involved, so sometimes people get angry and say “don’t do it”. As for me, by expressing that “I want to do it.” “I want to give it a go” instead of giving explanations, I get provided with ideas from others and we end up with lots of exciting turns. During the exhibition, I feel happy when these people bring along acquaintances and introduce the work to them.

Okabe: Looks like management skills are also being tested here. I visited the Kyoto Art Center today. It occupies the vacant site of Dai Ni Elementary School. What do you think of the activities being carried out there?

Fujimoto: I don’t know the internal structure of the art center, but I went to have a look and thought it was too clean to actually be used. Perhaps the locals had requested for their school not to be messed up, but this raises the question if an art centre that is difficult to use has any significant contribution to make.

Okabe: The centre offers the advantage of cheap rental studios and workspaces, especially good say when it comes to scene design, for example. But apparently, artists can’t keep on using the ateliers as their own.

Fujimoto: The fundamental problem here is the difference between negotiating for a place to use when needed and offering a fully-furnished atelier for anyone to use. Our group – (CAP) The Conference on Art and Art projects, is renting space from Kobe city. We got to know about the building and ended up liking it so much we asked the municipality to let us use it as an experiment. But they said it would cost 5 hundred million yen to renovate. So we said we could use it in its current state and surprised them when we said that we would do all the cleaning. And so they agreed to let us use the place for half a year. Our first event – “CAP HOUSE-190 days arts experiment” (3 NOV 1999 – 10 MAY 2000) was held where 120 – 130 people in white overalls, complete with official logos, cleaned the place up. We collected fees from the participants and provided box-lunches. It all started from there. Even though using the place was free of charge, we were shocked by the building’s high running costs. (Currently, CAP non-profit organization is under contract with Kobe city and actively undertakes management consignments.)

Okabe: CAP was also an interesting experience, I think.

 

caphouse
© Yukio Fujimoto

Fujimoto: Yes. But it is limited to organizing. I personally have decided not to do volunteering. I have to find a place to do whatever I’m interested in not for society’s sake, but for mine. I pursue the things I want to do in the place where it is possible.

Okabe: To you, does volunteering mean making time for other people’s sake?

Fujimoto: Exactly. But I feel that volunteers have to be professionals. Just helping out doesn’t make you a volunteer. The point is I would be thankful if trade professionals came as volunteers to do the job for me. Whether they are doctors giving up their time for free during a quake disaster, or professional homemakers who do fantastic housekeeping, it doesn’t matter. I, myself, don’t actually have the chance to volunteer. There aren’t many opportunities to do so in art, I say.

Okabe: You are now involved in community development, right? What do you think about public art at a community-level and about how the artists involved ought to be supported?

Fujimoto: During the Ashiya Symposium, I said that art itself isn’t necessary. For example I don’t see the purpose in including art in the Minami Ashiyahama Earthquake Reconstruction Housing Program. Specifically, it’s called “Art and Community” but I don’t think there is a need for names like that. What is needed here are artists. The involvement of artists in a project is more important than artwork. It is not necessary for the artists to create something visible to the eye. It’s good if they can contribute to a project by sharing their ideas and opinions. The main thing is to be able to complete the project with the participation of these kinds of people. It is the same with everyday life, it is not necessary to have art in public spaces or to have art museums, instead I think that culture is born when artists are there to communicate and associate themselves with the public in their daily lives. Nevertheless, artists have to survive.

Okabe: That’s why it’s a matter of how to support it, right?

Fujimoto: In a time when others are suffering with the difficulties of restructuring etc. and cannot offer support, you have no choice but to do what you love, to live and search by yourself. But it isn’t always easy, so if only there was some kind of help available. I think more and more people are going ahead despite this. It’s not only about money. Pride is the most important thing. Also you are required to engage on the level of the general public. You should be able to respond to an outsider who goes “What exactly is this artwork about?” “Why are you wasting your time?” Instead of going “I don’t care if you don’t understand”, you should be able to explain to the person next to you “This is what I am doing”. Those who think artists are free and can do whatever they like are not relevant here. The most important thing is to be able to confidently say that you are proud to be an artist who lives life your own way. But aid should never be excessive. Don’t let the artists depend on it to live, but don’t let them die either. It will be an asset if one person, out of the masses, wants to go on creating art until he dies. Another thing I want to add is that artists will profit. However, unlike merchandise, which brings profit after one or two years, artists gain fifty or　a hundred years later. If you continue for fifty years you’ll make profit every year.

Okabe: That is very convincing. It is only a matter of having a 50-100 year vision and being able to fulfill it.

Fujimoto: The sad thing is in reality, people on the administrative side have to think short term as in two, three years.

(at Kyoto Musuem of Modern Art cafe, January 30th, 2001, translated by Deborah Ten, revised by Emma Ota)

 

藤本由紀夫　アーティスト

岡部あおみ：藤本さんの作品はオルゴール仕掛けで音がしたりするオブジェもあり、絵を壁にかけるといった通常の展示とは違うインスタレーションも多いですが、これまで展覧会をなさる時など、どのようなかたちで美術館とかかわられてこられたのでしょう。
藤本：インスタレーションでは、ゼロからつくるから、机がいる場合など、パネルと同じように会場の備品なのか、会場設営費か、作品制作費かなど理解が難しいです。壁なら設営業者に作らせるので全然問題ないんですが。一度枯れ葉を敷いたときには、美術館で働いている人達が大きな袋で８０袋位枯れ葉を集めて、乾燥させて、燻蒸処理もしてもらいました。
岡部：美術館に虫が入ってきたら他の作品の保存上で大変なことになりますから。その膨大な予算はどこで落としたんでしょう。
藤本：枯れ葉は清掃の方の経費ですね。燻蒸するのは、作品や会場を燻蒸する時と同じ。ということは、やりようなんだと分かってきました。ですから担当学芸員がやりくりできるかどうかの才覚が問題になります。ただ最初に“何でも出来ます”と軽く言う人はだめです。かえって堅い人だなと思った人がやってくれたりする。学芸員だけではなくて、他の課にも絡んでくるので、怒っていた人が“やるな”ということもある。僕の場合は、説明するよりも「やりたい」「やってみたい」という気持ちを伝えると、向こうがアイデアを出してくれて、スリリングな展開が結構あります。そういう人が、展覧会が始まってから自分の知り合いを連れてきて、この作品はな”なんて言っている場面を見るととてもうれしくなる。
岡部：マネージメント能力が試されますね。今日は京都芸術センターを見てきました。第二小学校の跡地を使っていますが、ここの活動については、どう思われますか。
藤本：芸術センターの内部機構は知りませんが、見に行った感じでは、きれいすぎて使いにくそうです。自分たちの学校ということで地元の人達の要望らしいんですが、汚せないだろうし、使いづらい芸術センターがアートのためにプラスかどうかですね。
岡部：特に舞台美術に関しては、スタジオや制作室を安価に借りられるというメリットがあるようです。ただしアーティストが自分のアトリエとしてずっと使えるわけではないらしい。
藤本：根本的な問題は、場所が必要だったら交渉して使うのか、もともとアトリエ設備がありますから誰かどうぞ、という違いです。僕たちのCAP（The Conferenece on Art and Art projects）というグループは、神戸市から場所を借りてますが、そういう建物があることを知る機会があり、とても気に入り、神戸市に実験的に使わせてくれと言いました。ところが神戸市は使えるようにすると最低でも5億円かかると言う。我々はこのままでいい、自分たちで掃除するからと言ったら呆れて、訳が分からないけれど、とりあえず半年貸すことにしたようです。そこで最初のイベント（「CAP HOUSE-190日間の芸術的実験」1999.11.3〜2000.5.10）で120〜130人がロゴ入りの白いつなぎを着て大掃除をやった。お弁当持ちで参加費をとって。まずはそこから始まったんです。でもタダで借りられるといっても、建物のランニングコストが非常にかかり、びっくりしました。
（現在はNPO法人CAPが市との契約で、管理運営業務の委託を受けて活動している）

岡部：CAPをなさっているのも面白い経験ですね。
岡部：藤本さんにとってボランティアというのは、他の人の為に自分の時間を割くということですか。
藤本：もちろんそうです。ただボランティアはプロでなきゃいけないと僕は思う。手伝いはボランティアにはならない。つまり業者のプロが来てやってくれるのだったらボランティアで、ありがたい。地震の時のお医者さんが、無償で自分の時間を投げうって行くとか、主婦のプロで掃除がめちゃくちゃ上手い人もいい。僕自身、実際にはプロとしてボランティアができる機会がない。美術では機会少ないですよね。
岡部：市や町が現在まちづくりをやっていますね。市町村レベルでのパブリックアートやそれに関わるアーティストに対する支援はどうあるべきか、ということについてはいかがですか。
藤本：芦屋のシンポジウムの時に、アートはなくてもいいと言ったんです。南芦屋浜震災復興住宅にアートを入れるとか。具体的には「アート＆コミュニティ」と言うんですが、僕はそういう名前はいらないと考えています。じゃあ、何がいるのかといったら、アーティストがいる。プロジェクトにアート作品を入れるのではなく、アーティストが関わることが大事。アーティストは目に見える作品をつくる必要はない。アイディアを出すとか、プロジェクトに関わって意見を言うだけでもいい。そういう人が関わって出来上がることが大事。生活の中でも同じで、街にアートがあるとか美術館があることが大事なのではなく、アーティストがいて、彼らが生活していて、一般の人とコミュニケーションを取りながら交わっているのが文化だと思います。でもアーティストは生きなきゃいけない。
岡部：だからそれをどうサポートできるかですね。　
藤本：他がリストラで苦しんでいる時代にはサポートもできないわけだから、自分の好きな事をやっているなら、やっぱり自分で生きる。探す。だけど、それだけではなかなか難しいから、その難しい部分だけちょっと補助できるものがあればね。それでやっていこうという人は増えると思うんですよ。それはお金だけじゃない。一番重要なことはプライド。それには普通の常識が通じる社会人になるのが最低条件。全く関係のない人に“この作品は一体何ですか？”“何でこんな馬鹿なことやってるんですか？”と言われても話せるようにならないといけない。“解らない人はいいです”ではなくて、隣の人とちゃんと、“私はこういうことをやっています”と話せるようにならないとね。だから、アーティストは自由だとか、何をやってもいいんだ、という気持ちの人はもう、お引取り願う。一番大事なことは、お金よりもアーティストとして誇りを持って自分の生き方、やり方をするんだと自信を持って言えることです。でも過剰な援助はやめた方がいい。アーティストは生かさず殺さず。死なないのだったら制作を続けていきたい、という人の中から一人位ポンと出てきたら、財産になる。もう一つ僕が言いたいのはアーティストは儲かるということ。ただし商品みたいに1年後、2年後に儲かるのではなくて、50年後100年後に儲かる。だから50年間続けたら、毎年儲けが出てきます。
岡部：それは説得力ありますよね。ただその50-100年のヴィジョンで考えたり、実行できるかどうかです。
藤本：残念なことに、行政の担当者は2、3年のスパンで考えなければいけないというのが現実です。
（場所：京都国立近代美術館カフェ、日時：２００１年１月３０日）